Комедия дель арте

Дата: 12 Марта 2025 Автор: ВШДСИ

Комедия дель арте, или комедия искусства, представляет собой вид итальянского народного театра, зародившийся в XVI веке, в эпоху Ренессанса, во время итальянского культурного расцвета. Ее отличали импровизационные элементы, использование масок и создание характерных, узнаваемых персонажей. Эта форма театра оказала существенное влияние на европейскую театральную традицию и стала важной составляющей развития театрального искусства во многих странах, в том числе и в России.

Театр дель арте славился своими узнаваемыми персонажами: Арлекино, Пьеро, Коломбиной, Изабеллой, Дотторе, Панталоне, Капитаном, Бригеллой и Полишинелем. Каждый из них обладал собственными, ярко выраженными чертами и стереотипным поведением, что делало их легко узнаваемыми для зрителей.

В комедии дель арте, ярком и импровизационном театре масок, существовала строгая иерархия персонажей, среди которых особое место занимали дзанни – слуги, часто попадающие в комические ситуации. Дзанни - от мужского имени Джованни, весьма популярного в народе. Слуга отличался невежеством и ненасытным аппетитом. Он жил исключительно сегодняшним днем, не задумываясь о сложных вопросах. Этот персонаж, как правило, демонстрировал преданность своему хозяину, хотя и не отличался любовью к дисциплине. На сцене обычно присутствовало два дзанни, чьи характеры контрастировали друг с другом. Первый дзанни, такой как Бригелла (или его варианты – Скапино, Буффетто), представлял собой воплощение хитрости и интеллекта, истинный лис в человеческом обличье, ловко выкручивающийся из любых передряг. Второй дзанни, например, Арлекин (Меццетино, Труффальдино, Табарино), выступал полной его противоположностью – глуповатым, неуклюжим, но при этом обаятельным слугой, чьи промахи и нелепые поступки вызывали у зрителей неизменный смех. Это противопоставление умного и глупого слуги создавало богатую почву для комических ситуаций и словесных перепалок.
 

Понятие "маска" в комедии дель арте имеет гораздо более глубокий смысл, чем просто физический предмет. Конечно, маска – это картонный или клеенчатый реквизит, иногда полностью закрывающий лицо, иногда лишь частично. В некоторых случаях актеры использовали и другие методы создания образа: наносили грим, обсыпая лицо мукой, рисовали усы и бороду углем, приклеивали искусственные носы или надевали огромные, гротескные очки. Всё это – неотъемлемая часть создания образа. Изначально маска рассматривалась именно как физический атрибут, необходимый для комического персонажа. Однако со временем термин "маска" стал обозначать и самого персонажа, его образ, его характер. Это было связано с тем, что актёр, как правило, играл одну и ту же маску на протяжении всей своей карьеры. Актер, воплощавший Бригеллу, практически никогда не играл Панталоне, и наоборот. Сценарии могли меняться – это было обычным делом для комедии дель арте, но маска – это нечто постоянное, неизменное. Она становилась неотъемлемой частью актёрской индивидуальности, его визитной карточкой, которую он тщательно оберегал и развивал годами. Это был своего рода персональный бренд, создаваемый совместными усилиями актёра и его маски. Актёр, "обживая" свою маску, вкладывал в неё свою энергию, свой талант, свои уникальные черты. Ему не требовалось заучивать роль дословно – знание сюжета и основных обстоятельств было достаточным. Всё остальное, вся игра, вся прелесть комедии дель арте рождалась в процессе самого представления, благодаря импровизации, мастерству актёра и его взаимодействию с партнёрами. Маска была не просто украшением, она была ключом к раскрытию характера, своего рода проводником в мир комического и необычного. Она позволяла актёру не только играть роль, но и создавать её, шаг за шагом, в каждой новой импровизации, в каждом новом взаимодействии со зрителями. Это была живая, постоянно развивающаяся сущность, питаемая талантом и фантазией актёра.

Комедия дель арте, с её бродячими труппами, оказала значительное влияние на развитие театрального искусства во многих странах, в том числе и в России. Эти передвижные театры, состоящие из талантливых актёров, путешествовали из города в город, выступая на различных площадках – от рыночных площадей до дворянских усадеб. Такой формат обеспечил комедии дель арте популярность и доступность для широких слоёв населения. Зрители всех сословий – от простолюдинов до знати – имели возможность познакомиться с яркими, импровизационными представлениями, полными юмора, интриг и узнаваемых характеров. В отличие от стационарных театров, комедия дель арте предлагала живой, непосредственный контакт с публикой, что усиливало эффект присутствия и создавало незабываемую атмосферу. Влияние комедии дель арте на российскую театральную сцену прослеживается с XVII-XVIII веков, когда в Россию начали проникать европейские театральные традиции.

Первые упоминания о выступлении итальянских трупп комедии дель арте относятся к 1716 году, когда Санкт-Петербург стал площадкой для их представлений. Активизировалась гастрольная деятельность итальянских трупп после 1733 года. К концу XVIII века в аристократических домах Москвы и Санкт-Петербурга стало модным устраивать венецианские карнавалы, неотъемлемой частью которых были маски и костюмы, вдохновлённые персонажами комедии дель арте.

С приходом к власти императора Павла I карнавалы утратили свою популярность, что совпало по времени с упадком комедии дель арте и в самой Италии. Возрождение интереса к комедии дель арте в России пришлось на начало XX века. Целая плеяда русских режиссёров, актёров и художников обратилась к наследию этого театрального жанра.

Одним из ярких примеров такого обращения стало создание драмы «Балаганчик» Александром Блоком в 1906 году, где маски комедии дель арте получили глубоко трагическое и символичное переосмысление. Эта постановка, осуществлённая В.Э. Мейерхольдом в театре В.Ф. Комиссаржевской, стала знаковым событием, поскольку Мейерхольд, сыгравший роль Пьеро, был очарован театром масок и стал одним из пионеров его возрождения в России.

Его знаменитая пантомима «Шарф Коломбины» (1910 год) – это яркое свидетельство глубокого изучения и творческого переосмысления Мейерхольдом техники актёров комедии дель арте. Именно в ходе этих экспериментов он разработал систему биомеханики, которая и сегодня является одной из основ физического театра, оказывая огромное влияние на развитие сценического движения.

Эстафету Мейерхольда подхватил другой выдающийся режиссёр – А.Я. Таиров, чьи спектакли «Покрывало Пьеретты» (1916) и «Принцесса Брамбилла» (1920) также демонстрировали глубокое понимание и творческое использование принципов комедии дель арте. Однако, кульминацией этого ренессанса стала постановка «Принцессы Турандот» по пьесе Карло Гоцци. Этот спектакль, созданный на основе богатого наследия комедии дель арте, стал настоящим триумфом, продемонстрировав вечную жизненную силу и художественную ценность этого жанра. В итоге комедия дель арте оказала неизгладимое влияние на развитие русского театра, обогатив его яркими игровыми техниками, выразительными масками и неповторимой атмосферой импровизации.

ВШДСИ «Школа Г.Г.Дадамяна» объявляет набор на авторский курс Александра Коручекова «Актерское мастерство. Комедия дель арте. Работа с маской».

Программа предназначена для актёров, режиссёров, руководителей театральных коллективов, преподавателей актёрского мастерства и всех желающих получить знания и практические умения по работе с театральной маской и приемами комедии дель арте. Курс включает два модуля: начальные упражнения с маской и работа с нейтральной маской; усвоение особых правил игры и существования актеров – упражнения в речевой импровизации, рождение характерных персонажей.

Работа с маской воспитывает целый комплекс актерских навыков: тотальное внимание, собранность, присутствие «здесь и сейчас», необходимость в партнере, свобода мышц и дыхания, владение телом, жестом, фантазия и импульсивность реакции, ориентация в пространстве, дисциплина поведения на сцене, настроенность на игру, сценический ум, излучение. В масках игра или происходит, или нет. Работа с маской требует огромного актерского труда, сосредоточенности, работы мысли и фантазии, но занятия проходят весело и творчески. Это счастливое детство театра, дающее актеру свободу и творчество.

Вступительное собеседование – 9 апреля 2025 года. Курс рассчитан на 20 занятий по 4 ак. часа в течение апреля и мая 2025 года (80 ак. часов), проходит в рамках дополнительной программы повышения квалификации «Школы Г.Г.Дадамяна», с выдачей удостоверения. Режим занятий: с 18:00 до 21:00 2–3 раза в неделю. Адрес: ул. Арбат, д. 35, офис 627 (в здании Центрального Дома Актера). Стоимость курса – 60 000 рублей.

Подробности и заявка на сайте Школы